Le Quietus | Caractéristiques Carte de Quietus Tirer la journée de travail: 40 meilleurs projets parallèles d’écrivains silencieux

Le Quietus | Caractéristiques Carte de Quietus Tirer la journée de travail: 40 meilleurs projets parallèles d’écrivains silencieux

14 juin 2020 Non Par Chris Gratt


Haley Fohr de Circut Des Yeux comme Jackie Lynn

Des projets parallèles et des solos sont entrepris pour diverses raisons: faire nettoyer le palais par l’artiste après que son «projet principal» commence à reculer, résoudre un ego lent, se libérer des bagages d’un esthète établi, éliminer des collaborateurs moins talentueux à la recherche de nouveaux collaborateurs entièrement ou juste pour baiser avec les gens. Dans les 40 exemples ci-dessous, vous trouverez des exemples de chacun.

Pour cette fonctionnalité, nous avons demandé au réseau d’écrivains tQ non seulement de sélectionner un projet parallèle qu’ils aiment, mais aussi un projet qui, pour une raison ou une autre, aime encore plus que le groupe ou projet parent dont ils sont issus, et de plaider leur cause. Vous pouvez trouver leurs types ci-dessous.
Patrick Clarke

Jackie Lynn c. Circuit Des Yeux

Haley Fohr a mis ses talents pour changer de forme sublimement pour l’utiliser comme un cercle de Des Yeux. Il révèle sa voix unique avec une puissance indéniable qui prend des qualités extraterrestres. Mais peu importe à quel point le projet est audacieux et aventureux, il n’est pas toujours disponible. Son alter ego interdit Jackie Lynn, cependant, montre la sérénité et la facilité d’appel de son travail. Circuit Des Yeux publie des clips pour les chansons de leurs albums, mais Jackie Lynn a un single légal.

Ce qui a commencé comme un projet unique se développe dans le canal Fohr pour son côté coquelicot dans des chansons soignées. Les pièces s’intègrent dans des structures familières, aidées par la texture électronique et rythmiquement lourde du groupe de Bitchin ‘Bajas (le projet Cooper Crain of Cave lui-même), sa voix correspondant à chaque chanson individuelle plutôt que de la dominer. Mais au centre, Jackie Lynn est toujours un projet hautement conceptuel. Fohr n’a rien de mal à commencer par Jackie Lynn et à revenir au Circuit Des Yeux.
Amanda Farah

Atlas Sound Chasseur de cerf

Bradford Cox a toujours été un personnage fascinant – personnellement et musicalement. En tant que leader de Deerhunter, il les a conduits sans crainte sur plusieurs marchés caustiques et des falaises de route-rock, mais quand il part en solo comme Atlas Sound, il a encore plus de liberté pour errer. Avec le premier album Que les aveugles soient dirigés par ceux qui peuvent voir mais pas ressentir, se lance dans une expérience sensorielle et hallucinatoire. Un autre album Logos il l’a vu faire équipe avec Panda Bear et Laetitia Sadier pour se rapprocher du plus proche qu’il ait jamais été, tandis que le troisième album parallaxe il l’a vu entrer dans le mode de travail sur l’auteur de chansons complètes – quoique avec une touche de science-fiction.

Au milieu de tout cela, Atlas Sound a publié une série de bandes de démonstration, Database Database Vol. 1-4, ce qui nous a permis de mieux comprendre son processus créatif unique – et les documents sont fascinants. Bien qu’Atlas Sound soit en sommeil depuis longtemps, le troupeau dévoué de Cox défendra toujours quelque chose de nouveau de sa part, car nous savons qu’il innove et crée toujours.
Rob Hakimian

Plastique Ono Band Vs. Les Beatles

Le Plastic Ono Band a toujours été un groupe de deux moitiés: l’un assis confortablement parmi les plus grands compositeurs du 20e siècle, tandis que l’autre jouait de la guitare dans un groupe de garçons. J’avoue maintenant que je n’ai jamais complètement écouté l’album Plastic Ono Band, mais je ferais toujours attention aux singles dans les magasins de charité. Le format 7 “a permis d’ignorer plus facilement les pages A exclues comme” Mother “et” Instant Karma “et d’écouter simplement des pages B sauvages, sublimes et électrisantes: des chansons comme” Why “, un cri de chanson primal terrifiant, le genre de roche libre qu’un cri au sol pourrait juste rêver; “Qui a vu le vent”, une berceuse effrayante, morricone-esque, qui ne sonnerait pas à sa place dans une image de giallo dans un gant noir, tachée de sang; “Ouvrez votre boîte”, un rêve de fièvre funk mâchée interdit sur Radio 1 à cause de la sexualité sincère de ses textes.

Sur des sentiers comme ceux-ci, la porte est ouverte pour une alternative à partir des années 1970; un moins terne et pharisaïque, fidèle aux promesses désinhibitrices du flux et de la psychédélie. Ce gant sera ensuite récupéré par des musiciens de la Los Angeles Free Music Society et The Residents. Mais dans les premières années de la décennie, l’avenir était en plastique.
Robert Barry

Coqs rebelles contre le ministère

L’intersection des métaux lourds et des nouvelles technologies accélère le processus de vieillissement. C’est l’équivalent sonore de ne jamais porter d’écran solaire et laisse souvent la matière première prématurément bombée, ridée et parsemée de taches sur le foie. Il existe de nombreux cas où le heavy metal a créé l’avant-garde du modernisme, mais ces exemples proviennent presque toujours de groupes qui peuvent être qualifiés de «traditionnels» en termes de composition et d’instrumentation tels que Napalm Death, Earth et Mayhem. Même dans leur avant-garde la plus consciente et la plus terrifiante, les innovations en métal ont tendance à se concentrer sur les performances en direct et les processus d’enregistrement analogiques plutôt que sur la manipulation numérique des fichiers sonores. Par exemple, Sunn O))) a eu plusieurs collaborations fructueuses avec des musiciens «électroniques», mais cela se produit généralement dans le domaine sonore du groupe et selon leurs conditions.

À un moment donné, à la fin des années 1980, il semblait que le ministère réussirait à marier un échantillon et une guitare, mais quelque chose a mal tourné entre la sortie L’esprit est une terrible chose de goût 1989. i ΚΕΦΑΛΗΞΘ 1992. Ce n’est pas exactement comme si le groupe ne pouvait pas le couper en direct – les preuves sont plus que géniales depuis les années 1990 Au cas où vous n’auriez pas l’impression de vous présenter – mais ils n’ont jamais fait d’album studio depuis des années.

Cela est probablement dû au fait que le ministère a commencé sa vie en tant que nouveau duo de synthétiseurs romantiques, et même si cela me dérange de le dire, le heavy metal semble souvent être un genre dans lequel l’authenticité est aussi importante que les genres cachés que les partisans disent est De toute façon, pour un groupe qui existe depuis quatre décennies, il y a beaucoup plus de chansons ministérielles mauvaises ou moyennes que des chansons exceptionnelles parce que le métal ne peut tout simplement pas être fixé dans un mix.

Rien de tout cela ne devrait être considéré comme un trésor contre Al Jourgensen, bien qu’entre le milieu des années 80 et le début des années 90, stimulé par des innovations dynamiques en techno, EBM, dub, acid house et un nouveau rythme, il a produit certains des meilleurs à gauche domaines de la musique de danse de la fin du 20e siècle, sous la forme d’innombrables collaborations et projets parallèles. Bien que la concurrence soit plus féroce que Pailhead, LARD, 1000 Homo DJs, PTP et Acid Horse, le point culminant de ces entreprises a été les Revolting Cocks. Beaucoup n’ont jamais dépassé le surnom grivois, le penchant pour les couvertures ironiques et les performances de scène lurides, qui est leur propre look, Grand pays sexy (et dans une moindre mesure) Bières, bœufs et queers) contient une musique qui se trouve dans un grand isolement, au-delà de toute objection.

Des chansons comme “No Devotion”, “TV Mind, et” We’ll Clean Up the World “ont toujours le pouvoir du bétail et n’ont pas vieilli de la même manière que la musique du ministère. Mais cela ne devrait pas être surprenant car Jourgensen a clairement compris le modèle de la danse industrielle, dans dans sa forme la plus simple, il s’est engagé dans la manipulation d’ingrédients minimaux clairement définis: un rythme dur, une basse proéminente, une voix percutante et une ligne supérieure frugale, souvent atonale.

Quant au projet, RevCo était (initialement) plus proche des J.B.s que du ministère. Cependant, le métal industriel était différent. L’acte numérique d’ajouter couche après couche de guitare traitée espère en vain que les chansons seront collectées en poids jamais vraiment de manière satisfaisante. Le poids spirituel du métal lourd provient presque entièrement de la création de riffs, pas de leur manipulation en post-production.
John Doran

Grim Tower contre Black Mountain

Méridien sanguin, poussière de foudre, grottes de Sinoja, pics roses: les projets annexes initiés par des membres ou d’anciens membres de la Montagne Noire sont aussi nombreux que différents. En 2013, le chanteur Stephen McBean a sorti le seul et unique album de Grim Tower, Brise anarchique, une collaboration avec le talent psychédélique vif d’Imaad Wasif.

La Grim Tower est un exercice de drones folk mystiques, avec plusieurs fleurs explosives définissant la «mère» du gang de McBean. N’accordant pas de priorité au volume ou à une grande complexité, McBean permet à sa capacité poétique de s’épanouir en partenariat avec l’artiste Wasif, dont la carrière se définit par une flexion acoustique plus douce sous l’influence de l’Orient. Les paroles de cet album sont assez prévisibles et assez stupides – mais cela ajoute juste du charme. La piste titre du disque – instrumentale, miséricordieuse – est un bon point de départ.
Barnaby Smith

Grinderman Vs. Mauvaises graines

Bien que Nick Cave soit maintenant une véritable mégastar, vendant simultanément des arènes et bénéficiant des meilleures critiques de sa carrière après une trilogie étourdissante et sincère de LP, il est facile d’oublier qu’avant Grinderman, sa musique était sérieusement en danger de s’effondrer sous son propre poids. Bien qu’il contenait une abondance de grandes chansons, en 2004 Abattoir Blues / Orpheus Lyre il était enflé, tandis que son prédécesseur Nocturama c’était un incinérateur atypiquement perméable.

En jetant Bad Seeds (quoique seulement au nom étant donné que Grinderman était membre de collaborateurs de longue date) et en enfonçant sa tête dans un mur de garage faible sans bagages, en 2007 le premier tour du nom éponyme, qui a gonflé pour toujours. Il suffit de regarder le dossier Bad Seed qui a suivi, Creusez, Lazare, Creusez !!, l’album amusant le plus gentil qu’ils aient sorti depuis très longtemps. Après la cruauté et le traumatisme personnel qui ont été éclaircis dans son dernier enregistrement Ghosteen, il est à noter qu’il y a un grondement Grinderman 3 bientôt.
Patrick Clarke

Edgar Froese contre Peter Baumann contre Rêve de mandarine

Les pionniers cosmiques de Tangerine Dream ont reçu non pas un, mais deux albums solo que je choisirais dans le catalogue principal du groupe. Sorti en 1975, le fondateur de Tangerine Dream Froese, Epsilon en Malaisie pâle il se compose de deux voies latérales; Fantasmes Debussy-esque créés en utilisant uniquement Mellotron et synthé. C’est l’une des rares occasions dans la musique progressive des années 70, où la composition orchestrale ne se contentait pas d’imiter. Au lieu de cela, il a été transformé et transformé en quelque chose d’une beauté inhabituelle. Ce n’est pas difficile d’entendre pourquoi Epsilon était l’un des disques préférés de Bowie lors de la création faible.

Libéré l’année suivante par le mercurial Baumann, Romance 76 à la fois distiller l’essence de la TD et la pousser plus loin. L’électronique mélodique latérale est aussi raffinée, ludique et précise que Kraftwerk, mais en quelque sorte plus élémentaire, en particulier sur la puissance dramatique et drang de ‘Phase By Phase’. L’autre côté est autre chose, une suite classique / chorale aventureuse filmée par l’Orchestre philharmonique de Munich, le tissage de Baumann de textures synthétiques dérangeantes et le Mellotron nerveux parmi des cordes et des voix qui agissent souvent effrayantes. Facile à ignorer, ces albums sont les deux meilleurs qui remontent à la période Krautrock et sont une écoute de base pour les étudiants en musique électronique.
Joe Banks

Nai Palm contre Hiatus Kaiyote

Aiguille de patte sonne comme un brouillon de “Nai Palm” de Naomi de l’intuition de Saalfield. Après un futur quatuor de soul basé à Melbourne, l’album de Hiatus Kaiyote, Choisis ton arme. Aiguille de patte présente une musique originale, des couvertures réfléchies et des agrafes Hiatus Kaiyote restaurées. Le premier album solo avec 13 chansons rend hommage à Palm en tant qu’interprète de grand son – c’est comme le cryptage du code musical.

Rendant hommage aux traditions musicales autochtones de l’Australie, Jason Guwanbal Gurruwiwi partage l’album avec des interludes «Wititj (Lightning)», première et deuxième parties. Palm, quant à lui, étudie la guitare et la voix. L’instrumentation, bien que monochromatique, n’a pas de profondeur. Les applaudissements profonds du chœur de voix (connu comme les fans de Hiatus Kaiyote meurent) élève la dernière minute du film “Crossfire / So Into You”. «Molasses» et «Boundary with My Atoms», apparus à l’origine sur Choisis ton arme, debout sur vos squelettes mélodiques complexes, la soprano tournante de Palm fait le tour de sa mélodie. Grâce à la réinterprétation par Palm de sa propre musique, nous parviendrons à une meilleure compréhension de l’Hiatus Kaiyote original.

La performance de Palm sur «Have You Ever Been (dans Electric Ladyland») de Jimi Hendrix tombe comme si elle nous laissait entrer dans un secret absolu. L’avant-dernier titre et chanson héréditaire, «Homegrown», nous met lentement en place. Aiguille de patte Palm est le meilleur travail et une leçon de diligence.
Olamija Fajemišin

BOISSONS Vs. Cate Le Bon et Tim Presley

Les groupes ont des projets parallèles, et les partis politiques ont des étrangers, ils apparaissent sur Sky News pour enflammer une idée que le ministre ne pourrait pas suggérer, puis jetez un œil! Un an plus tard, c’est de la politique partisane! DRINKS est un projet parallèle de Cate Le Bon et Tim Presley. Je n’ai jamais fait le travail de Presley – trop de pastiche, 60s, trop de LA – mais la collaboration a surtout le meilleur. Presley a plaisanté avec un ancien collaborateur Mark E Smith, où Smith n’appellerait que ce groupe SNACKS. Beaucoup de paroles de DRINKS, en fait, semblent être une blague – les cryptes ont été écrites avec des lignes de guitare incohérentes et ont trouvé des sons unis comme Dada. Ça commence à marcher. Les carrés commencent à s’intégrer parfaitement dans les cercles.

La grande bizarrerie de la bœuf de l’album DRINKS 2015 semble avoir jeté les bases idéologiques de l’excellent disque de Le Bon en 2016. Journée du crabeet le record de DRINKS en 2018 Hypo Lite cela ressemblait à une extension logique de bon nombre de ces idées. Les effets secondaires peuvent également avoir l’effet inverse. Album Le Bon’s 2019 Récompense ce n’était rien comme DRINK, mais dans sa rigueur magnétique c’était aussi son chef-d’œuvre. Comme beaucoup de bon surréalisme, le sens ne se révèle qu’au contact des événements futurs alors dormants et imprévisibles. “C’est vraiment à l’extérieur de votre maison”, répète Le Bon sur l’un des morceaux, “c’est vraiment à l’extérieur. C’est vraiment à l’extérieur.”
Fergal Kinney

Gorillaz vs. Brouiller

Il existe une panoplie ingénieuse de créations de dessins animés pour échapper à la caricature, ce qui est plus ou moins la façon dont Damon Albarn a glissé un tabloïd ladd menaçant son existence artistique à la fin des années 1990. En jetant le culte de la personnalité qui a émergé autour de Britpop et en décidant de travailler avec Jamie Hewlett à la place, Albarn a créé un autre groupe emblématique qui vivra aussi longtemps, rendant quelque chose de plus libre, plus inclusif et plus universel que Blur ne pourrait jamais espérer créer.
Kiran Aharija

Fripp & Eno contre King Crimson et Brian Eno

Ecoutez (Pas de tapotements), la première collaboration entre le guitariste de King Crimson, Robert Fripp, et Brian Eno, alors nouveau solo, devrait se lancer dans ce qui ressemble à une répétition dirigée par David Bowie Héros, Ou plutôt, vous êtes presque sûr que les yeux de soja de Bowie allumeraient quand il a entendu cela, ainsi que son suivi, en 1975. Hesperus, Moins foutu que King Crimson et plus concis que les sorties ultérieures d’En, c’est vraiment une collaboration plus grande que la somme de ses parties.
Julian Marszalek

Insécurité des hommes contre une grosse famille blanche

De tout ce projet parallèle, aventure solo, groupe de collaborations dispersées, de collaborations et de projets fragmentés qui ont entouré la carrière mouvementée de Fat Tur Family, un seul coïncide vraiment avec le groupe principal, et c’est Insecure People de Saul Adamczewski, formé avec Ben Romans-Hopcraft et produit par Sean Lennon. Leur album éponyme attire la pédophilie, la mort prématurée et l’impérialisme raciste pour évoquer la belle musique pop avec le divertissement facile et agité des années 1970, avec Gary Glitter, Gerry Adams et Cliff Richard planant autour de leurs marges. Il est transgressif, provocateur et figure à ce jour parmi les plus grands chefs-d’œuvre d’Adamczewski.
Patrick Clarke

Le capitaine Lockheed et les étoiles contre Hawkwind

En 1974, Hawkwind s’éloignait de la plaie psychédélique du cerveau spatial de leurs albums précédents et expérimentait des idées incroyablement nouvelles telles que le funk, le country rock et le prog. Pendant ce temps, le poète de l’espace Robert Calvert a quitté le navire un an plus tôt pour se concentrer sur l’écriture et l’enregistrement de ce qui doit être l’un des plus étranges, mais aussi des meilleurs albums de concept rock, Capitaine Lockheed et Star Fighters.

Inspiré par l’histoire tragique de l’achat par la Luftwaffe d’avions de chasse américains dangereusement modifiés, qui a entraîné la mort de plus de 100 pilotes, Calvert a recruté ses anciens collègues de l’album pour créer un album de garage rock proto-punk entrelacé avec le croquis Monty Python de Bonz Vivian Stanshall, Prometov Jim Capaldi et Calvert lui-même. Et bien que ce soit certainement un produit de son temps, avec des stéréotypes allemands accentués de façon comique, c’est aussi assez merveilleux et souvent très drôle.

Les hits en tête-à-tête monomaniques comme “Aerospaceage Inferno”, “The Right Stuff” et “Ejection” ont plus que des indices sur Motor City à leur sujet, en particulier la dernière version, et ils finiront tous par trouver leur place dans le live set de Hawkwind. . Pour les fans qui ne sont pas sûrs de la nouvelle direction de la mère, Capitaine Lockheed il offrait pas mal d’acphones et de fortes vibrations.
Joe Banks

Fleurs de Brandon c. assassins

Hélas, pas avant que Brandon Flowers et ses collègues les moins intéressants aient lancé leur dernière nouvelle vague de pastiche ‘Mr. Brightside ‘qu’ils ne sont un script de réalité et a commencé à partir de zéro. Springsteen Americana était l’influence dominante sur le deuxième album Sam’s Town; depuis, ils ont erré violemment dans le désert de la pop à la recherche d’inspiration. Et pourtant, loin de The Killers, Flowers a toujours su de quoi il s’agissait, comme le montrent deux superbes albums solo.

«Crossfire», 2010 Flamant, était la meilleure chanson qu’il ait jamais écrite qui ne contenait pas les mots “Brightside” et “Mr.” dans le titre. Et en 2015 Effet souhaité était un mash-up yacht-rock / post-punk, c’était toujours son destin. Même le titre ressemble à un scénario abandonné de John Hughes. Il est retourné au travail de jour cet été avec un nouvel enregistrement de Killers qui – si les derniers albums du groupe sont des guides – est destiné à l’épuisement et au chevauchement. La vérité inévitable est que les fleurs sont loin d’être des tueuses pour que les fleurs fleurissent.
Ed Power

Junip vs. José González

Le travail solo de José González est indéniablement captivant, son travail de guitare souvent fortement guidé par la qualité des percussions se reflète dans son utilisation de la répétition mélodique et lyrique. Mais même il reconnaît parfois ses limites: ces dernières années, une performance avec l’orchestre de théorie des cordes de PC Nackt s’est avérée irrésistible pour les Suédois argentins. Heureusement, Junip, un groupe qu’il a fondé en 1998 avec des amis d’enfance Elias Araj et Tobias Winterkorn, lui permet de développer son instinct moteur.

Leurs résultats ont été sporadiques: deux EP et deux LP en quinze ans, la dernière, Junip, publié en 2013. Mais il ajoute une intention psychédélique et narcotique à tous ces traits qui rendent González si enchanteur. Sanctuaire noir «Turn To The Assassin» de l’EP commence par un simple riff de guitare acoustique circulaire, mais est rapidement réchauffé par l’orgue; Corde et haut Titre EP – également inclus en 2010 champ album – est basé sur l’un des accords les plus longs de González, puis crée une tête de vapeur étouffée comme Can un dimanche matin; et ‘Tide’, le dernier record de Junip, est une tranche délicate d’une âme trouble aux yeux bleus par rapport à l’ère spatiale. Ils sont plus gros et, très probablement, meilleurs.
Wyndham Wallace

Vermapyre contre l’intégrité

Le groupe hardcore Integrity de Cleveland a en outre inventé le metalcore lors de sa formation en 1988, rassemblant des explosions de guides et solos de guitare métal avec une vitesse et un rythme hardcore, tout en influençant des groupes comme Converge et Hatebreed. L’intégrité a battu plusieurs records, surtout dans les années 1995 Surcharge du système, mais ils sont probablement mieux connus pour leur iconographie visuelle et leurs compétences idiosyncratiques du leader et unique membre permanent Dwid Hellion.

L’intégrité est devenue au fil du temps un tremplin pour la poésie énigmatique de Hellion et un style visuel fascinant «diabolique». Alors que Hellion incorporait de plus en plus le bruit et l’électronique dans le son de l’intégrité, sa fascination le conduisit à de nouveaux projets. Un de ces projets est Vermapyre, qui utilise la fascination de Hellion pour l’horreur et le bruit pour créer un son qui crée Massacre à la tronçonneuse OST sonne comme des chansons pour enfants. Hellion utilise des guitares auto-initiées dans le projet, et la musique révèle une sophistication et une vision qui montre clairement pourquoi Integrity et Hellion sont si fascinants de façon durable par rapport à la plupart des groupes dans leur sous-genre esthétiquement limité.
Adam Lehrer

Le capitaine Murphy contre le Flying Lotus

En 2012, le rappeur Captain Murphy est apparu comme un maître de cérémonie vain mais intelligent qui voulait garder son identité secrète. Après avoir laissé une trace de chapelure à travers le look et les gouttes individuelles, mixtape dualisme est tombé, et Murphy a été découvert comme un joueur exceptionnel du groupe Flying Lotus. Pourquoi ressentait-il le besoin de garder son identité secrète? Bien sûr, il y a une histoire d’identités secrètes de super-héros à laquelle Steven Ellison a rendu hommage, mais il est également possible que son travail en tant que Flying Lotus soit juste donc complexe et unique que personne ne croirait pouvoir sauter – mais dualisme prouve qu’il sait allier les barres avec caractère et fluidité.

Alors que son travail en tant que Flying Lotus est hyperactif et imprévisible, le capitaine Murphy est un travail plus décontracté, ennuyeux et amical, plein de rythmes simples et de motifs lumineux. De n’importe quel travail qu’Ellison a fait sous un pseudonyme, dualisme c’est celui que vous êtes le plus susceptible de vous engager lorsque vous sortez avec des amis, car il a une abondance de productions intéressantes, mais pas le genre qui nécessite une concentration à 100%. Les battements de Murphy planent comme une nébuleuse de mauvaises herbes, et ses viols sont adaptés à cet environnement, alors que sa voix se déplaçait à travers les barreaux pour vouloir grandir, avoir des relations sexuelles et mentir pour regarder des films fous. Dommage que le capitaine Murphy se cache depuis 2012, mais peut-être que la retraite mondiale actuelle dans l’isolement est le moment idéal pour réapparaître.
Rob Hakimian

Hayley Williams c. Paramore

Hayley Williams est maintenant une femme dans la trentaine, et bien que Paramore ait résonné brillamment pour les adolescents quand ils étaient aussi adolescents, ils ont eu du mal à mûrir encore plus que cela. Pourquoi n’aurait-elle pas quelque chose pour elle maintenant? N’hésitez pas à parler de sexe, de divorce, de solitude? Dites «putain»? Le titre lui-même de Pétales d’armure cela colle à des idées plus complexes de féminité qui, je pense, vont au-delà de Paramore, et pour moi, c’est plus attrayant que Paramore n’a jamais été.

Personnel, douloureux, mélancolique et sensuel, Pétales d’armure Williams avait besoin d’espace pour respirer. Malgré le fait que, tout au long de sa carrière, elle ait constamment juré de ne pas le faire seule, je pense que c’était sa décision la plus intelligente et cela a produit son travail touchant, sensible et pertinent. Le projet parvient à réaliser ce que Paramore n’a jamais pu. Il a également une entreprise de coloration de cheveux appelée Good Dye Young, qui est probablement meilleure que Paramore.
Sarah Cohen

Hemlock Ernst c. Future Islands

En surface, il est un peu difficile de croire que Samuel T. Herring, le chanteur des favoris de Future Islands de Baltimore, a une terrible ruée en tant que rappeur nommé Hemlock Ernst. C’est tellement idiot de penser que vous ne lui donnerez peut-être aucune chance, mais simplement regarder les gens avec qui il a travaillé – Madlib, Open Mike Eagle et quelques milos – devraient faire assez pour vous convaincre de sa crédibilité. Ensuite, mettez simplement une de ses coupes sombres de la collaboration de Kenny Segal l’année dernière Retour à la maisonou barres farfelues lors de la collecte de Madlib Trouble Me Knowset vous entendrez le maître de cérémonie avec de la porosité, du rythme et des perles. Tout ce que vous avez à faire maintenant est d’entendre la fonction Hemlock Ernst sur la piste Future Islands, et tout le monde sera heureux.
Rob Hakimian

Tom Tom Club contre. Têtes parlantes

Quand Tina Weymouth chante, “Qu’est-ce que tu vas faire quand tu sortiras de prison? / Je vais m’amuser” au sommet des rayons du soleil, et c’est “Genius Of Love” de Tom Tom Club, il n’est pas difficile de penser qu’elle se réfère au travail maladroit qui méritait ce qu’il a enregistré pour le magnifique quatrième album Talking Heads, Restez dans la lumière.

S’éloignant du processus de la cérémonie du compositeur et enregistrant le travail de la journée, le département rythmique de Tina Weymouth et Chris Frantz, Talking Heads, s’est d’abord décomposé aux studios Compass Point à Nassau pour enregistrer le single “Wordy Rappinghood”, qui a rapidement suivi “Genius Of Love” »et« Lorelei ». Le reste du premier album éponyme a été achevé après la tournée Restez dans la lumièreet les résultats instinctifs et joyeux sont toujours au-dessus du reste du catalogue de Talking Heads. Après tout, qui ne serait pas en désaccord avec Tina Weymouth quand elle demande: “Qui doit penser quand tes jambes sont juste parties?”
Julian Marszalek

Yeux de chat contre horreur

Il y a toujours eu un certain campus vers Faris Badwan. Ce fut le premier talon ubergoth de The Horrors ubergoth, mais quand ce saut régulier se transforma en la glorieuse psychédélie avec Couleurs primaires perdu parmi la luxuriance. Heureusement, sa collaboration avec la soprano canadienne Rachel Zeffira a cette signification. Mais ce n’est pas tout ce qui fait de Cat’s Eyes une si grande gamme, c’est la capacité de Zeffir et Badwan à distiller l’essence de Phil Spector et Nancy et Lee, amplifiant et subordonnant cette douceur étrange et sinistre à des proportions courbes et lynchages. Ils sont chics, coquins et bizarres où la musique de The Horrors scintille et est raffinée, mais ils ont une atmosphère que le groupe principal de Badwan n’aurait jamais pu espérer enregistrer.
Patrick Clarke

Fever Ray Vs. Le couteau

Le couteau ne peut nier que le couteau est l’une des œuvres musicales les plus importantes du 21e siècle, mais les garçons prennent du poids. Je veux dire, leur dernier album était de 97 minutes d’expérimentation sonore et de vers sur le structuralisme. Bien sûr, le premier album de Karin Dreijer, Fever Ray, était un examen paranoïaque de la vie d’une nouvelle mère, mais il était accessible dans ses structures de chansons et une étape enivrante et honnête dans sa psychologie. Puis, pour son deuxième album Fever Ray, 2017 Plonger, Intervient Dreijer, nous racontant que nous n’avons que 40 ans et que nous voulons sortir et baiser. Bien sûr, il y a encore beaucoup de textes politiques accentués, mais fusionnés entre des synthèses tristement vivantes et des confessions sur la façon dont ils veulent diriger leurs chattes, ils sont beaucoup plus faciles à digérer. Il semble que lorsque son frère Olof n’est pas là, Karin se sent plus comme si elle pouvait laisser tomber ses cheveux et exprimer ses préoccupations de quotient – et c’est le genre avec lequel nous aimons sortir.
Rob Hakimian

Von Südenfed tomber

Bien que je sois fermement convaincu que quiconque répète la citation du cliché d’automne, “Si moi et grand-mère sommes sur un bongos, c’est une chute”, devrait faire 1000 lignes sur la paresse, c’est une fois intéressant par rapport à la considération de Von Südenfed, éphémère mais la magnifique collaboration de Mark E Smith avec Mouse On Mars. Leur album de 2007 Réflexion thromatique a été le point culminant des 20 dernières années de la vie de Mark E Smith – et il tient même compte du fait que ce fut, malgré les maudits résultats de League Of Bald Headed Men, une période de pointe dans le groupe. Pourtant, Von Sudenfed offre certainement quelque chose que The Fall n’a pas tout à fait réussi à ce stade de l’opération – un disque qui avait une différence sonore pour vraiment pousser Smith.

Malgré toutes les histoires sur Fall en tant que dictature, il était toujours à son meilleur quand il avait des musiciens à opposer au lieu de monter au sommet – c’est probablement la raison pour laquelle les derniers albums de Fall étaient largement décevants. Aider les tendances rockabilly qui n’ont jamais été le meilleur élément de l’automne, l’électronique animée et l’esprit lyrique pointu des films “Fledermaus Can’t Get It” et “Flooded” sont là-haut avec quoi que ce soit sur inimitable, AKA dead cert top cinq Fall LP. Ce qui définit vraiment le point le plus important ici – la logique de Smith dans cette citation exagérée, Von Südenfed n’est pas vraiment un projet parallèle qui expire du tout le travail principal, mais est une suite et une partie du canon, sauf dans le nom.
Luke Turner

Harmonia vs. Neu! et Cluster

Les fusions musicales peuvent rarement être réalisées aussi magnifiquement que Harmonia. En fait, dire que Harmonia écoutait juste Neu! or Cluster n’est pas négligeable, mais l’affirmation de deux talents musicaux vitaux et colossaux qui se réunissent pour fusionner leurs particularités – les lignes de chant de guitare de Michael Rother et les explorations cosmiques de Hans-Joachim Roedelius et Dieter Moebius de Cluster – et en train de créer certaines des musiques les plus originales et influentes. enregistré pour la progéniture.

Pour cet écrivain un autre album luxueux passe sur ses débuts Musik Von Harmonia grâce à une plus grande intégration des principaux acteurs, principalement sur les chansons ‘Deluxe (Immer Weider)’ et ‘Monza (Rauf Und Runter)’. David Bowie était tellement amoureux de ce dernier indice qu’il l’a ensuite réorganisé en “Red Sails” Locataire, C’est un peu une surprise que Brian Eno attendait sur les ailes, mais c’est une autre histoire pour une autre fois.
Julian Marszalek

Nailbomb Vs. Tunnel Fudge

Il est vain de dire que Nailbomb est en fait supérieur à Sepulture de Max Cavalera ou Fudge Tunnel d’Alex Newport, mais quand ils ont uni leurs forces pour faire un album studio À bout portant ils ont créé un site de découverte explosif qui mène directement à l’avant-garde industrielle, expérimentale et métal. Avec une résistance pure au creusement, des attaques contre la religion des entreprises et le fusil «cafard», le Nailbomb est un parfait exemple de ce qui est fait et fait sans être dérangé et irremplaçable.
Kiran Aharija

Fuzz contre Ty Segall

Ty Segall publie plusieurs versions sous son nom chaque année, et pour quelqu’un qui publie si souvent du contenu régulièrement, leur niveau de cohérence est étonnamment élevé. Cependant, quand c’est à son tour de s’asseoir derrière la batterie dans Fuzz et de laisser son batteur habituel Charler Moothart prendre la tête de la guitare, les choses deviennent frivoles. The project was originally started by Moothart as an exercise in ‘can I write a hard rock song?’, and when it was discovered that yes, YES, he can write a hard rock song – dozens of them in fact – he got Segall in to drum and they started piling on the garage rock mayhem, creating the towering self-titled record.

Second album II saw them adding new bassist Chad Ubovich and collaborating more as equal writers in a band, which only added more structure to the screaming, pounding, and riffing brilliance. Sure, Segall writes plenty of great rock songs under his own name, but if you want your face truly melted then you want to listen to Fuzz, with Moothart searing the six-string trail into sonic destruction.
Rob Hakimian

Dukes Of Stratosphear vs. XTC

Credited to Sir John Johns, Lord Cornelius Plum, The Red Curtain and E.I.E.I. Owen, The Dukes Of Stratosphear’s debut 25 O’Clock was a six-track masterpiece of late 1960s psychedelia, its title track nodding to The Electric Prunes’ ‘I Had Too Much to Dream (Last Night)’, and ‘What In The World’ seeking inspiration in The Beatles’ ‘Tomorrow Never Knows’. Only it was made by the members of XTC, recorded after frontman and main songwriter Andy Partridge, as well as engineer John Leckie, were removed from duties on Mary Margaret O’Hara’s Miss America for not being devout enough, then launched on April Fool’s Day, 1985.

That it twice outsold 1984’s The Big Express, XTC’s seventh album, only became significant when the band’s true identity was revealed, but perhaps it wasn’t surprising. While XTC had already bequeathed a handful of classic singles – most notably ‘Making Plans For Nigel’ and ‘Senses Working Overtime’ – none sounded so much fun as, for instance, the Mellotron-dosed ‘Strawberry Fields’ pastiche ‘The Mole From The Ministry’. 1987’s Psonic Psunspot couldn’t quite maintain the quality, and the band apparently died afterwards in a “horrible sherbet accident,” but even Partridge referred to 25 O’Clock as the “most fun we ever had in the studio.”
Wyndham Wallace

Puscifer vs. Tool

Passionate vinter and fancy-dress enthusiast Maynard James Keenan has many hobbies. Sometimes he even makes music. Though he’s known chiefly as the frontman of nerd-metal titans Tool, his talents are better exercised in side project Puscifer.

Since outgrowing debut album “V” Is For Vagina, Puscifer have strode into more progressive territories, trading in electro, industrial, and sun-baked ballads. The music is more accessible than that of Keenan’s main act but don’t let that fool you. Puscifer songs unfold with all the dynamics, dexterity and polyrhythmic complexities as those of the proto-edgelords, only without the self-importance. Puscifer albums run at a breezy 50 minutes and are packed with memorable moments, whereas Tool’s 80-minute suites are bloated by pointless interludes, so turgid that they threaten to crawl up their own schism.

From the inaugural salvo of Puscifer’s good-ol’-boy-baiting Country Boner it was clear that the band would be a better vehicle for Keenan’s snot-nosed humour than Tool, in which his salacious song titles and petty ripostes to critics have often felt at odds with the group’s galaxy-brain musicianship. Puscifer is an especially good fit for humour given that the band began as a joke in US sketch comedy Mr. Show, What’s no punchline, though, is that Puscifer are Keenan’s headline act.
Sean McGeady

Lil Wayne vs. The Hot Boys

It’s hard to believe now, but when the original Young Money millionaire, Lil Wayne, started out in the business he wasn’t even the main act. Weezy was, instead, part of a teenage crew assembled by his mentor, Baby (AKA rapper Birdman), who had been guiding him since he was just a precociously talented 13-year-old. The Hot Boys were a teenage rap group envisaged by Baby and his brother Slim, co-founders of Cash Money Records and shot-callers in Southern hip hop, circa 1997.

Combining older, tested talents like BG and Juvenile, who both had successful albums behind them – Chopper City et Solja Rags respectively – it was Wayne and Turk, the new boys, who were a risk. But 1997’s Mannie Fresh-produced Get It How You Live! shifted 400,000 copies, earning the indie label a $30 million deal from Universal. But by the early 2000s, most of Baby’s boys had jumped ship citing financial concerns, leaving only Weezy on deck. As it turned out, the permanently nasal genius with the ultra-dextrous, drank-soaked drawl didn’t need the help, as he proved by taking over hip hop to such a degree that even his Young Money Entertainment protégés, amongst them Nicki Minaj and Drake, are superstars now.
Manu Ekanayake

David Thomas and Two Pale Boys vs. Pere Ubu

Best known as the wild eyed Pere Ubu frontman, David Thomas’ solo work deserves a passionate mention in its own right. Sur Surf’s Up, David Thomas and Two Pale Boys serve up a smattering of avant-folk, coloured by touches of electronic pulses and ‘Rain Dogs’ era Tom Waits contortions. Arriving in 2001, a while after his main band had released any kind of stone wall classics, Surf’s Up is a curious addition, wherein the Ubu man abandons his trademark bleating for a kind of sea shanty ramble.

‘Man in the Dark’ sees a somber Thomas worrying to the tune of farting horns, whilst the title track drones as Thomas’ whines reach emotionally affecting crescendos. The high point though, comes on ‘River’, where all the component parts are at their most potent; Thomas growls, guitar scratches echo, and combustible horns boom out across the arid soundscapes.
Cal Cashin

The 6ths vs. The Magnetic Fields

The Magnetic Fields were not quite the indie-pop institution they have since become when Stephen Merritt decided he should be immortalised with a tribute album. With nobody else volunteering for the job he founded a side-project, The 6ths, and did it himself. A who’s who of alternative scene vocalists were tapped, Helium’s Mary Timony, Yo La Tengo’s Georgia Hubley and TeenBeat Records founder Mark Robinson among them. Their task: to inject starlight and shimmer into an all-new suite of mordantly wry Merritt ditties.

Revisiting The 6ths’ 1995 debut, Wasps’ Nest , and its 2000 follow-up Hyacinths and Thistles, what’s striking is the sincerity brimming up through the pores. As an ABBA fan, Merritt had a keen appreciation of pop’s golden rule, which mandates the zing of the melody must be in direct contrast to the tragedy of the lyrics. He never got that balance more right than with The 6ths, whose songs swoon and sob, even as his wordplay trembles with the grotesque twinkle of an Edward Gorey illustration. “Who do you love when I’m out of town?” wonders the Tall Dwarfs’ Chris Knox on ‘When I’m Out of Town’. “The butcher, the baker/The thin undertaker who makes not a sound.” It’s witty, terrifying and ferociously sublime.
Ed Power

The Amazing vs. Dungen

While some musicians might embark upon a side project to give an outlet to their more experimental or leftfield proclivities, Dungen guitarist Reine Fiske in some ways did the opposite: he launched The Amazing to ‘go straight’. Few listeners will regard The Amazing as being as adventurous or as strange as Dungen, with their 1970s influences, gentle chord progressions and romantic lyrics (sung in English, in contrast to Dungen often singing in Swedish). Yet there is a bucolic magic to The Amazing that is utterly intoxicating, largely born of the songwriting talent of singer Christopher Gunrup.

With this side-project, Fiske re-calibrates his talents to produce guitar lines that are, for him, quite conservative and deceptively simple – an idea of The Amazing’s lineage and stylistic tendencies can be found with 2009’s ‘Kirwan Song’, a tribute to Danny Kirwan, the one-time guitarist in Fleetwood Mac. The Amazing are a calmer, more melodic, less abrasive, less formidable alternative to Dungen.
Barnaby Smith

Graham Coxon vs. Blur

Even at their most adventurous, Blur never abandoned their singer’s cloying desire to be adored. After renouncing Britpop and going a bit scuzzy, their output remained peppered with bouncy indie-disco numbers and glistening ballads for your mum. The solo work of slightly bonkers guitarist Graham Coxon was less concerned with such matters. Slyly informed by black metal, much of the material from Coxon’s first two solo albums was both decidedly lo-fi and often incredibly heavy. “I wish the music would play by itself,” he sighed on 1998’s The Sky Is Too High, referring to his day job, before unleashing a cathartic blast of jumbo-jet noise. 2000’s The Golden D was snottier still; essentially a hardcore punk album complete with two Mission Of Burma covers and a tribute to Coxon’s favourite skateboarder.

Other albums were folkier, in a Bert Jansch vein. They grew poppier once he’d left Blur, but a man’s gotta eat. That spontaneous and natural feel remained, while his imperfect vocals kept everything nicely fragile. Noel Gallagher, among others, said Coxon was among the best guitarists of his generation. There was scant evidence of that on Blur’s output where Coxon’s talent was always corralled by Albarn’s needy songwriting. On the solo work, he really shines.
J.R. Moores

Ol’ Dirty Bastard vs. Wu-Tang Clan

For me, Enter The Wu-Tang (36 Chambers) is a life-changing record. Everybody has their favourite Wu Tang member, and Ol’ Dirty Bastard is mine; his unhinged contributions are unlike anything before or since. He barks and hollers and introduces the Ghostface Killah whenever he feels like it to legendary electric effect; no insecurity, no self-seriousness, total shamanism.

Return To The 36 Chambers is an hour of unfiltered ODB that doesn’t dull the enigma. The RZA production on his solo debut is smoky and bassy, and ODB’s performance is stunning as he warbles and struts through some of the finest theatre in the history of hip hop. The spontaneous romp of ‘Shimmy Shimmy Ya’ is unstoppable, and the confrontations of angular tracks like ‘The Stomp’ and ‘Raw Hide’ are animalistic.

With fame, and his problems with addiction, Russell Jones’ musical output never reached these heady heights again. His demise was tragic and fraught with legal problems, for which he was not entirely blameless. But as Ol’ Dirty Bastard, for the full hour of Return To The 36 Chambers, we find a true original at the absolute peak of his powers.
Cal Cashin

Lindsey Buckingham vs. Fleetwood Mac

The moments of eccentricity and experimentation found on Fleetwood Mac’s 1979 ambitious double album Kljova weren’t a one-off thing — they carried over into Lindsey Buckingham’s idiosyncratic solo career during and outside of his time with the band. Rather than further milking the phenomenally-successful pop formula of Rumours, the singer-guitarist chose to follow a different path, resulting in a number of brave and adventurous records.

Particularly on 1981’s Law And Order and 1984’s Go Insane, Buckingham virtually played all of the instruments on his minimalist-sounding pop-rock songs, some of which border on the avant-garde (‘That’s How We Do It In L.A.’, ‘Playing In The Rain’, ‘D.W. Suite’). Of his six studio albums (not counting Buckingham Nicks et Lindsey Buckingham Christine McVie), the brilliant Out Of The Cradle from 1992 may have been his definitive work while Fleetwood Mac were creatively struggling for most of the ’90s.

Like his hero Brian Wilson, Buckingham treated the studio space like an instrument in itself. Yet amid the occasional experimentation, he peppered his songs with just enough catchy hooks and rip-roaring guitar solos (‘Trouble’, ‘Holiday Road’, ‘Countdown’) that don’t stray too far from his work with the Mac. Inevitably and perhaps unfairly, Buckingham’s unconventional solo music has been obscured by the mammoth popularity of his now-erstwhile group.

“That’s always been a luxury that I’ve had as an artist,” he once told me in 2011, “having that large machine, which feeds certain things [such as] politika [and] financial considerations. And then the small machine, which has proven to feed the heart and the sense of risk-taking and all of that kind of stuff. They support each other, certainly. But the solo part, it makes it hard for people to want to step up to the plate for that, because everyone is worried about the bottom line to some degree.”
David Chiu

Madvillain vs. MF DOOM

In the early 2000s, Daniel Dumile worked under countless aliases, including King Geedorah, Viktor Vaughn and most famously MF DOOM, each allowing him to show off slightly different facets of his cartoonish personality. Otis Jackson Jr., under the name Madlib, has a list of credits and collaborations as long as your arm, including work with J Dilla, Freddie Gibbs and the whole Blue Note back catalogue.

However, it’s the 2004 team-up as Madvillain that is likely to be the headline on either of their rap sheets. Capturing both at the peak of their powers, with an understanding that seems preternatural, Madvillainy stands alone. Madlib sewed together a set of classic-sounding boom-bap beats with comic book interjections, and DOOM gobbled it up, dropping colourful and compact bars with glee. Rarely has the rapper sounded more alert than across the unskippable Madvillainy, The tracks rarely last more than two minutes, but each is stuffed with enough obscure references to keep listeners hooked for days.

Of course, fans have long demanded a follow-up, and Madlib got so frustrated at not being able to get DOOM to commit that he released a whole remixed version of Madvillainy in an effort to appease them – but there’s just no touching the original. Perhaps DOOM knew they’d captured lightning in a bottle the first time, and sensibly decided to leave the legacy untarnished – even if it is pure frustration for fans who have lived and re-lived those precious 47 minutes countless times.
Rob Hakimian

Neon Neon vs. Super Furry Animals

Neon Neon made two outré concept albums: one about the American car designer John DeLorean; the other about the Italian publisher Giangiacomo Feltrinelli. Both lives produce evocative biographies. On 2008’s Stainless Style DeLorean, the glorious embodiment of capitalist failure, serenades his alleged lover, the “movie star” Raquel Welch. On 2013’s Praxis Makes Perfect Feltrinelli, the committed communist and marketing extraordinaire, laments his thwarted translations of Dr. Zhivago, under “cold embargo” in the Soviet Union.

Super Furry Animals’ frontman Gruff Rhys and LA dance producer Boom Bip comprise the project, generating a cavalcade of ’80s-influenced electro-pop. These ostensibly forgettable romps capture something essential about homage and pastiche, about straddling irony and sincerity. Such tensions exist through all parties: testaments, even, to the lives of Delorean and Feltrinelli. Exhausting old Casio keyboards functions as a melancholy memorial to their complicated legacies.

If hollow and capricious, the songs at least have brute conviction. Aided by Bip’s synth veneers and magpie genre-picking, Rhys’ conscious literacy appears variously deadpan and euphoric. Bip’s solo stylings have a sardonic accompaniment; Rhys’ lyricisms, sometimes lost in SFA’s psychedelia experiments, have embellished lines of sonic support. Contained in Neon Neon is the reconciliation of the duo’s independent contradictions. They embrace the spirit of pretence, and by doing so, it is made meaningful.
Joseph Owen

Passengers vs. U2

Thanks to some two decades of dodgy marketing decisions, albums produced by committee and a questionable approach to taxation among many, many other sins, it’s easy to forget that U2 were a band that once actually took chances to produce some stunning music. Their early ’90s re-invention from wannabe heartland roots rockers to a European industrial machine fuelled by contemporary beats and attitudes proved to be as successful as it was unexpected. But it was with Passengers – their side project with Brian Eno – that U2 created some of the most stunning and sublime music of their career.

Alleging to be a collection of music written for films, Passengers’ Original Soundtracks 1 is an album that sees the world’s then biggest band leave their comfort zone to challenge themselves as much as their audience. It’s not wholly successful, but when it does hit the mark, it serves to remind that no rock band of this stature pushes this hard anymore.
Julian Marszalek

Gravediggaz vs. De La Soul and Wu-Tang Clan

Producers Prince Paul (De La Soul) and RZA brought out each other’s eccentricities and zest for the strange with their “horrorcore” project Gravediggaz. RZA and Prince Paul, performing under the pseudonyms of The RZArector and The Undertaker respectively, severed the Geto Boys’ fascinations with horror and cartoonish violence from their southern gangsta rap template and afflicted them with further perversions of esoterica, surrealism, and the macabre. Where the Geto Boys provocatively located a sense of enigma and mythology within the tales of urban violence inherent to the gangster rap ethos, Gravediggaz shunned tales of the street for tales of the mind.

“My head keeps on spinning, constantly continuing / Two tabs of mescaline fucks up my adrenaline / I’m in a ‘fuck that shit’ and I can’t escape it / It’s like goo-goddamnit, I hate it,” raps Rza on ‘Defective Trip (Trippin’)’ from Gravediggaz ’94 album Six Feet Deep, It’s especially fascinating to consider Gravediggaz hitting the scene in 1994, the same year that Joe Biden’s brutally punitive crime bill was passed. The lives of the American city working class were soon to be saturated with the transcendental doom that was the “three strikes and you’re out” law.
Adam Lehrer